Mu­sik­theo­rie

Das zweite Instrumentations-Modul richtet den Blick auf die Veränderungen, die sich im Laufe des 19. Jahrhunderts und zu Beginn des 20. Jahrhunderts im Vergleich zur klassischen Instrumentation ergeben haben. Ihre Entstehung erklärt sich durch das Zusammenspiel von Veränderungen der Aufführungsbedingungen und der Klangästhetik sowie technischen Entwicklungen im Instrumentenbau. Der Nachvollzug erfolgt durch Höranalysen, Analyse des Notentexts und die Instrumentierung von Particellen. Voraussetzung für den benoteten Leistungsnachweis sind regelmäßige Teilnahme, die Instrumentierung kleinerer Particelle als Hausaufgabe und einer umfangreicheren Passage als Abschlussprüfung.

Diese Veranstaltung steht Studierenden aller künstlerisch-pädagogischen Studiengänge offen, die künftige Schülerinnen und Schüler im Instrumental- oder Gesangsunterricht auch musiktheoretisch begleiten möchten. Theorieunterricht erschöpft sich nicht darin, Tonsätze stilrein schreiben und methodenkonform analysieren zu lassen. Er sollte auch auf die Praxis zielen und die Einsicht vermitteln, dass Interpretation sich nicht restlos intuitiv erschließen kann, sondern auch aus der geistigen Durchdringung der kompositorischen Struktur hervorgeht, bzw. in ihr verankert ist.

In drei Bereichen werden musiktheoretisch-methodische Kompetenzen erarbeitet: erstens in kritischen Besprechungen älterer und neuerer Lehrwerke zu den verschiedenen Disziplinen (historische Satzlehre, Melodie- und Rhythmuslehre, Formenlehre und Analyse, Instrumentation und Hörerziehung); zweitens in der Entwicklung eigener Ideen und Lehrkonzepte (in Abweichung von eng gefassten historischen, etablierten oder zeitgenössischen Methoden); drittens im praktischen Unterrichten: zunächst in kleineren Einheiten zu bestimmten satztechnischen Phänomenen, dann in Lehrproben inklusive der Erstellung von Lehrproben-Plänen.

Für die erfolgreiche Teilnahme (ohne Abschlussprüfung) gibt es Leistungspunkte. Der Leistungsnachweis in Form einer Prüfungs-Lehrprobe mit Kolloquium ist nur für Studierende des Hauptfachs Musiktheorie erforderlich.

"Kontrapunkt ist nichts anderes, als einen Punkt gegen einen anderen zu setzen" (Anonymus, um 1350).

Diese Übung ist für alle, die analysierend erkennen und schreibend erfahren wollen, wie das Prinzip „Note gegen Note“ funktioniert und zu welchen polyphonen Ergebnissen es führen kann. Je nach Bedarf und Wunsch der Teilnehmenden stehen verschiedene Kompositionsstile zur Auswahl, die in den Fokus unserer analytischen und satztechnischen Beschäftigung rücken: der vokale Renaissance- Kontrapunkt, der auf dem Generalbass basierende instrumentale Kontrapunkt des Barock, Fuge und Fugato der Wiener Klassik, der „romantische Kontrapunkt“ oder verschiedene kontrapunktische Konzepte der Neuen Musik. Auch diejenigen, die in die Grundlagen des Kontrapunkts eingeführt werden wollen, sind willkommen.

Bei erfolgreicher Teilnahme (ohne Prüfung) gibt es zum Kontrapunkt einen Leistungspunkt.

Neu in der Satzlehre der Musiktheorie des 18. und 19. Jahrhunderts (Spätbarock, Klassik und Romantik) ist die Harmonielehre (Rameau), die Melodielehre (Mattheson), die Perioden- und Formenlehre (Riepel, Koch, Marx) und die Instrumentationslehre (Berlioz). Anhand der Quellenlektüre der Traktate dieser Theoretiker und Komponisten betrachten wir die neuen „Disziplinen“ im Wandel der Theoriegeschichte (vom Generalbass zur Harmonielehre oder von der melodischen Moduslehre zur dur-molltonalen Melodiebildung) und beobachten sie an komponierten Beispielen. So gut wie ohne Vorläufer erscheint die Formenlehre in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts und die Instrumentationslehre im 19. Jahrhundert. Dagegen erreicht die um 1600 entwickelte Figuren- und Affektenlehre im 18. Jahrhundert ihren Höhe- und Endpunkt, in der „Seconda prattica“ bei J. S. Bach.

Generell ist in diesem Zeitraum ein Wandel von der früheren Regelpoetik zur Genieästhetik zu beobachten. Die Komponisten lassen sich immer weniger von der dogmatischen Musiktheorie „bevormunden“, was der praxisbezogenen Analyse vorbildlicher Meisterwerke Auftrieb gibt. Dennoch studieren die Komponisten dieser Zeit die altbewährten Lehrwerke zu Kontrapunkt und Generalbass, woraus sich die zunehmenden Freiheiten ablesen lassen.

Leistungsnachweis: Vortrag über ein aus dem besprochenen Zeitabschnitt gewähltes Thema mit anschließender Diskussion.

Im Zentrum dieses Seminars stehen Lieder von der Renaissance bis zur Gegenwart in der Besetzung Sologesang + Instrument (meist Klavier). Nach einer Einführung in BegriEe und Techniken der Text- und der musikalischen Analyse stellen die Seminarsteilnehmer*innen jeweils ein selbst gewähltes Werk vor, praktisch (singend oder spielend) und analytisch.

In diesem Seminar wird versucht, Theorie und Praxis zusammenzuführen: aus analytischen Ergebnissen erwachsen Fragen zur aufführungspraktischen Interpretation und umgekehrt wirft Interpretation Fragen zur kompositorischen Struktur bzw. deren Analyse auf. Dazu sind Theorien zur Interpretation ebenso zu reflektieren, wie historisch differenzierte Methoden der Musik- Analyse. An konkreten Stellen aus Werken der Klavierliteratur werden verschiedene Interpretationsansätze erprobt, die immer auch nach dem „Warum (spiele ich das so)?“ fragen. Ziel des Seminars ist die Erkundung von Wegen zu einer kenntnisreichen und selbstbeobachtenden Interpretation.

Leistungsnachweis: Analytische und aufführungspraktische Präsentation eines selbst gewählten Stücks.

In diesem Seminar versuchen wir, Theorie und Praxis zusammenzuführen. Aus analytischen Ergebnissen erwachsen Fragen zur aufführungspraktischen Interpretation und umgekehrt wirft Interpretation Fragen zur kompositorischen Struktur bzw. deren Analyse auf. Dazu sind Theorien zur Interpretation ebenso zu reflektieren, wie historisch differenzierte Methoden der Musik-Analyse. An konkreten Stellen aus der Bläserliteratur und Werken mit Bläsern werden verschiedene Interpretationsansätze erprobt, die immer auch nach dem „Warum spiele ich das so?“ fragen.

Ziel des Seminars ist die Erkundung von Wegen zu einer kenntnisreichen und selbstbeobachtenden Interpretation.

Leistungsnachweis: Analyse und aufführungspraktische Präsentation eines selbst gewählten Stücks.

Edward Elgar ist heute bekannt vor allem durch seine Pomp and Circumstance Marches, deren erster mit den Worten Land of Hope and Glory unterlegt ist und inoffizielle Hymne des British Empire war. Damit wurde Elgar zum „Barden eines überlebten imperialistischen Großbritannien“ abgestempelt (G. Heldt, Die Musik in Geschichte und Gegenwart). Dass der Sohn eines Musikalienhändlers noch andere Musik komponiert hat, Instrumentalmusik, die seine pompösen Orchestermärsche an künstlerischer Qualität weit übertrifft, ist dagegen kaum zur Kenntnis genommen worden: die intimen Enigma-Variationen (mit der vielleicht noch bekannten IX. Variation namens „Nimrod“), die Erste Sinfonie in der seltenen Tonart As-Dur (Athur Nikisch: „the fifth of Brahms“), die Konzerte für Cello (e-Moll) und Violine (h-Moll), das Orchesterstück Sospiri op. 70 und die an Don Quixote erinnernde „Symphonische Studie“ Falstaff; nicht weniger artifiziell ausgearbeitet sind die Kammermusikwerke, die sämtlich in Moll stehen und Pomp und Prunk naturgemäß ausschließen: das Klavierquintett in a-Moll, das Streichquartett in e-Moll sowie die Violinsonate in e-Moll.

Im Seminar werden wir analytisch untersuchen, inwieweit der Vorwurf zutrifft, Elgar habe keinen produktiven Beitrag zu avancierten Entwicklungen geleistet (wie sie zeitgleich auf dem Festland stattfanden), sein Stil bleibe spätromantisch und lehne sich an Vorbilder wie Wagner, Brahms oder Richard Strauss an. Als fortschrittlich dagegen wurde Elgars Beitrag zur Auflösung kompositorischer Verbindlichkeiten im frühen 20. Jahrhundert erkannt: der unorthodoxe, den Hörer desorientierende Umgang mit harmonischen Beziehungen, die Suspension des tonalen Zusammenhangs konventioneller Klänge, die exzentrische Gestik sowie unkonventionelle formale Strategien. Dass Elgar keine atonale Musik komponiert hat, bleibt unbestritten. So ist sein Stil wohl in der „Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen“ zu fassen (M. Gassmann in Musik-Konzepte 159), in der produktiven Mischung aus Epigonentum und Moderne.

Anthony Burgess (Clockwork Orange) schrieb 1983 im The Observer very British über Edward Elgar:
“Elgar is not manic enough to be Russian, not witty or pointilliste enough to be French, not harmonically simple enough to be Italian and not stodgy enough to be German. We arrive at his Englishry by pure elimination.”

Ziel dieser Veranstaltung ist es, Studierende dazu zu befähigen, produktionsorientierte Musizier- und Gestaltungsprozesse im schulischen Musikunterricht fachlich fundiert zu planen, umzusetzen und zu beurteilen.

Ausgangspunkt ist die Beobachtung, dass das Erfinden eigener Musik im Schulalltag bislang nur geringen Stellenwert hat – nicht zuletzt aufgrund vermeintlich hoher handwerklicher und/oder musiktheoretischer Hürden. Zur Überwindung dieser Hürden greifen wir im Rahmen der vorliegenden Veranstaltung vorwiegend experimentelle Ansätze aus der Neuen Musik, aber auch aktuelle Zugänge zur kreativen Arbeit mit tonaler Musik (u.a. unter Einbezug digitaler Tools) auf.

Auf der Grundlage musikdidaktischer und musiktheoretischer Perspektiven erproben, entwickeln und reflektieren die Studierenden Musiziermodelle, die im Rahmen integrierter Übungen praktisch getestet und gegen Semesterende mit einer Schulklasse umgesetzt werden.

In diesem Seminar geht es darum, wie man Schülerinnen und Schüler in Gymnasien und Gemeinschaftsschulen an „Highlights“ klassischer Musik heranführen kann.
Die Studierenden wählen dafür Stücke frei zu wählender Genres aus, die sie selbst spielen oder gerne vorstellen möchten. Im Seminar werden schulklassenbezogene Arrangements erstellt und Gruppenarbeitskonzepte designed.
Der Abschluss des Seminars findet in Form von Schulbesuchen mit dem Klangmobil statt.

In diesem Seminar können Sie Ihr Lecture-Recital vorbereiten. Es geht darum, künstlerische Praxis und Fragen der künstlerisch-theoretischen Reflexion zu verknüpfen. Das Seminar bereitet auf die Bachelor-Prüfung in Form des Lecture Recitals vor.

Neben Grundfragen der Reflexion musikalisch-künstlerischer Praxis und der künstlerischen Forschung werden Standpunkte der ästhetischen, historischen und analytischen Reflexion vermittelt. Herangehensweisen der Interpretationsforschung sind ebenso Gegenstand wie aufführungspraktische und methodische Fragestellungen. Anhand von Variant-Bearbeitungen konkreter Beispiele werden kompositions- technische Überlegungen thematisiert.

Sie lernen, eine integrative Verbindung zwischen künstlerischer Praxis und wissenschaftlicher Reflexion als Lecture Recital zu präsentieren. Das Lecture Recital ist eine Form der Bachelor-Arbeit.