Forschung

Zu den zentralen Aufgaben der HMDK Stuttgart gehören die wissenschaftliche bzw. künstlerisch-wissenschaftliche Forschung und Lehre. Wissenschaft an der Hochschule vermittelt, erweitert und revidiert „klassische“ Bildungsinhalte, sie bietet der künstlerischen Praxis ein Forum kritischer Reflexion und gibt eigene Impulse, z.B. der Repertoireerweiterung oder der historisch informierten Interpretation. Umgekehrt profitieren die wissenschaftlichen Fächer von der unmittelbaren Nähe zu ihrem „Gegenstand“.

Wissenschaftliche Forschung definiert sich an künstlerischen Hochschulen wie an wissenschaftlichen Universitäten. Forschung geschieht geistes- und kulturwissenschaftlich sowie naturwissenschaftlich und technologisch orientiert. Die Ergebnisse wirken in die Lehre zurück und bilden so die Basis einer forschungsorientierten Lehre.

Das Spektrum wissenschaftlicher Anteile in der Lehre reicht von Überblicksvorlesungen und Seminaren über postgraduale Studiengänge bis hin zur Promotion (Dr. phil.) in Musikwissenschaft und Musikpädagogik. In Vorbereitung ist das ergänzende Angebot einer künstlerisch-wissenschaftlichen Promotion (DMA), in der wissenschaftliches Arbeiten und künstlerische Praxis besonders eng aufeinander bezogen werden.

Informationen zu den Fächern Musikwissenschaft, Musikvermittlung, Musikpädagogik und Musiktheorie finden Sie im Breich des Institut für Musikwissenschaft, Musikpädagogik und Ästhetik der Fakultät I.

Wir bieten im wissenschaftlichen bzw. künstlerisch-wissenschaftlichen Bereich die folgenden postgradualen Studiengänge an:

Master Musikwissenschaft (M.A.)

Master Musiktheorie (M.Mus.)

Promotion (Dr. phil.) in den Fächern Musikwissenschaft, Musikpädagogik und Philosophie

Promotion DMA – in Vorbereitung

Forschungsprojekte

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Echoraum 1913. Ein Jahr in der Musikgeschichte

Der Fokus auf ein einzelnes Jahr erlaubt eine ungewöhnliche Intensität der Recherche und der Genauigkeit im Umgang mit zeitgeschichtlichen Kontexten. Zugleich ist er sozusagen ein historiographisches Experiment: Während Musikgeschichtsschreibung sonst relativ großzügig über ganze Epochen, Gattungen oder Stile hinweggeht, nähern wir uns hier einer Perspektive, die dem „Nacherleben“ vergangener Welten relativ nahe kommt. Zum Beispiel ließe sich rekonstruieren, was man an einem beliebigen Tag in einer Stadt wie Berlin, Paris oder St. Petersburg im Konzert hören konnte – oder in der Oper, im Variété-Theater und im Ballhaus. Ein bestimmter historischer Moment verdichtet sich gleichsam zum „Hörbild“.

Damit sind eine Reihe interessanter methodischer Konsequenzen verbunden: Zum Beispiel ist klar, dass ein „Hörbild“ nicht Kompositionsgeschichte alleine umfasst, sondern ebenso Stationen der Geschichte musikalischer Interpretation. Auch gehören zum „synchronen Schnitt“ gleichermaßen „High“ und „Low“, ernste und unterhaltende Musik – unerwartete Allianzen und Übergänge zwischen den Sparten inbegriffen. Die Perspektive der Gleichzeitigkeit zwingt den Historiker, Musik mit politischen und kulturgeschichtlichen Situationen, auch mit Entwicklungen in den anderen Künsten zusammenzudenken. Und die radikale zeitliche Beschränkung erlaubt es andererseits, räumlich möglicherweise weit entfernte Schauplätze und Ereignisse in Beziehung zu setzen.

1913 war ein besonderes Jahr, wenn man so will: eine „Sternstunde“ der musikalischen Avantgarde. Dafür stehen Namen wie Claude Debussy, Alexander Skrjabin, Arnold Schönberg, Charles Ives, Igor Strawinsky, Alban Berg, Lili Boulanger und viele andere, die in diesem Jahr Schlüsselwerke schrieben bzw. zur Aufführung brachten. Aber wie kam eine solche Verdichtung zustande? Oder handelt es sich um einen rein illusionären Effekt, geschuldet der „selektiven Wahrnehmung“ bisheriger Musikgeschichten? Und wie haben andere Beteiligte das Jahr 1913 erlebt?

„Echoraum 1913“ behandelt Phänomene der Avantgarde, der musikalischen Alltagsgeschichte und (in Ausschnitten) der außereuropäischen Musik: Komposition und Interpretation, spektakuläre Highlights und etabliertes Repertoire, internationale Stars, Außenseiter und Entwicklungen im Verborgenen. Bekanntermaßen sind aus dem untersuchten Zeitraum nicht nur schriftliche Quellen, sondern auch Tondokumente, Fotografien, ja sogar Filme erhalten. Damit sind auch besondere Chancen – und Herausforderungen – an die Darstellung verbunden. Zu fragen ist auch, wie der Chronist von 1913 mit dem Wissen um 1914 umgeht, d.h. dem Bewusstsein, kulturelle Welten zu beschreiben, die dem Untergang geweiht sind.

Geplant ist eine größere monographische Veröffentlichung und eine Reihe von kleineren „Satellitenprojekten“ im näheren thematischen Umkreis.

Kontakt: Prof. Dr. Andreas Meyer

Bisherige Veröffentlichung zum Thema:

Andreas Meyer, „Im Echoraum. Europäische Musikgeschichte 1913“, in: Die Tonkunst 7 (2013), S. 162–169.
„Der Komponist Herwarth Walden. Eine musikalische Spurensuche im ,Sturm‘“, in: Irene Chrytaeus-Auerbach/Elke Uhl (Hrsg.), Der Aufbruch in die Moderne: Herwarth Walden und die europäische Avantgarde (Kultur und Technik 24), Berlin 2013, S. 137–155.
„Disrupted Structures: Rhythm, Melody, Harmony”, in: Hermann Danuser/Heidy Zimmermann (Hrsg.), Avatar of Modernity. The Rite of Spring Reconsidered, London 2013, S. 102–129.
„Bartók in Biskra/Algerien“, in: Béla Bartók. Themenheft Musiktheorie 30 (2016), Nr. 4, S. 323–344.
„Schöne Barbarei? Europas musikalische Avantgarde im Ersten Weltkrieg“, in: Jahrbuch des Staatlichen Institus für Musikforschung 2017, hrsg. von Simone Hohmaier, Druck i.Vorb. (erscheint vorauss. 2018).
„Was heißt: soziale Dechiffrierung der Musik? Weberns Orchesterstücke und der Kanonendonner von Verdun“, in: Wolfgang Fuhrmann (Hrsg.), Zuständigkeiten der Musik-soziologie? Bericht vom Symposium der Fachgruppe Soziologie und Sozialgeschichte der Musik im Rahmen der Jahrestagung der Gesellschaft für Musikforschung, Mainz 2016, Druck i.Vorb. (erscheint vorauss. 2018).

Erinnerung und Vergessen in der Musik

Dass Musik von namentlich bekannten Autoren verfasst, schriftlich fixiert und womöglich jahrhundertelang tradiert wird, war bis in die Frühe Neuzeit hinein alles andere als selbstverständlich. „Kulturelles Gedächtnis“ in der Musik ist ein Ausnahmefall, weit mehr noch als in der Dichtung oder der Bildenden Kunst. Das gilt schon für die Idee der Musikgeschichte selbst, die im Zuge des europäischen Humanismus erst allmählich aus den „Erfinderkatalogen“ herauswuchs. Heute dagegen wird zumindest die Kultur „klassischer“ Musik wesentlich historisch aufgefasst (und nicht zuletzt um Komponistenjubiläen herum organisiert).

Der Forschungsschwerpunkt schließt an die Theorie des „kulturellen Gedächtnisses“ an, die in Deutschland vor allem von Jan und Aleida Assmann entwickelt wurde. Gerade am Beispiel der Musikgeschichte lässt sich der extrem selektive Charakter kultureller Erinnerung zeigen. Dem schmalen Ausschnitt dessen, was im „Funktionsgedächtnis“ der Gesellschaft heute präsent ist (und zum Beispiel an einer Musikhochschule unterrichtet wird), steht ein unüberschaubares Sediment versunkener musikalischer Vergangenheit gegenüber – teils noch im „Speichergedächtnis“ z.B. einer Bibliothek oder eines Archivs enthalten, teils aber von jeglicher Rekonstruktion mangels Überlieferung ausgeschlossen.

Die Selektivität von Erinnerung wird heute in der Debatte um musikalische Kanonbildung oder um ideologische Motive in der Musikgeschichtsschreibung kritisch thematisiert. Ein besseres Verständnis der Mechanismen von Erinnerung und Vergessen ist auch als ein Beitrag zu dieser Diskussion zu verstehen. An wechselnden Beispielen aus der Musikgeschichte sollen die Schwierigkeiten historischer Überlieferung an sich, mögliche Umstände der Etablierung und Revision „kanonischer“ Inhalte und die wechselnden medialen Anforderungen dabei reflektiert werden.

Nicht zuletzt ist auch das musikalische Hören ein Paradigma von Erinnerung und Vergessen. Schon die Aufgabe, sich eine nicht ganz simple Melodie zu merken, stellt viele Menschen vor kaum lösbare Probleme. Aber gerade die Flüchtigkeit der Musik und die „Präsenzerfahrung“ im Umgang mit ihr lässt sich auch als spezifische Qualität verstehen – sehr im Gegensatz zu früheren Modellen z.B. des „Experten-“ oder „Fernhörens“, die im Umgang mit Musik besondere Gedächtnisleistungen einfordern.

Kontakt: Prof.in Dr. Hendrikje Mautner-Obst / Prof. Dr. Andreas Meyer

Bisherige Veröffentlichungen zum Thema:

Hendrikje Mautner-Obst, Audiovisuelle Mozart-Bilder. Studien zur Musikvermittlung (in Vorbereitung).
Hendrikje Mautner-Obst, „Franz Werfel und Giuseppe Verdi: Umdeutungen und Neudeutungen in erinnerungskulturellem Kontext“, in: Österreichische Musikzeitschrift 68 (2013),H. 1, S. 14–22.
Hendrikje Mautner-Obst, „Verdi-Wissen. Wissensfelder in Franz Werfels Roman Verdi und ihre Bedeutung für die deutsche Verdi-Renaissance der 1920er Jahre“, in: Verdi-Reception, hrsg. von Lorenzo Frassà und Michela Niccolai, Turnhout 2013, S. 119–136.
Hendrikje Mautner-Obst, „‚Musik der Erinnerung‘. Nigel Osbornes I am Goya als Medium des kulturellen Gedächtnisses“, in: Diskussion Musikpädagogik (2010), H. 45, S. 7–11.
Andreas Meyer, „Bleibende Werke? Aspekte der Herausbildung eines Kanons neuer Musik in Darmstadt“, in: Wolfgang Birtel/Christoph-Hellmut Mahling (Hrsg.), „Dauerkrise in Darmstadt“? Neue Musik in Darmstadt und ihre Rezeption am Ende des 20. Jahrhunderts (Beiträge zur mittelrheinischen Musikgeschichte 43), Mainz u. a. 2012, S. 164–178.
Andreas Meyer (Hrsg.), Was bleibt? 100 Jahre Neue Musik (Stuttgarter Musikwissenschaftliche Schriften 1), Mainz 2011.
Andreas Meyer, „Komponisten-Motette als historischer Raum. Zu Nicolas Gomberts Musae Iovis“, in: Die Kunst des Übergangs. Musik aus Musik in der Renaissance, hrsg. von Nicole Schwindt (Trossinger Jahrbuch für Renaissancemusik 7), Kassel u. a. 2008, S. 133–154.
Andreas Meyer, „Von Erfindern, Jahreszahlen und letzten Dingen. Calvisius als Historiker der Musik“, in: Gesine Schröder (Hrsg.), Tempus musicae – tempus mundi. Untersuchungen zu Seth Calvisius (Studien zur Geschichte der Musiktheorie 4), Hildesheim u. a. 2008, S. 153–171.
Andreas Meyer, „Fixierung des Flüchtigen? Zum Musikbegriff bei Marcel Proust“, in: Reiner Speck/ Michael Maar (Hrsg.), Marcel Proust. Zwischen Belle Époque und Moderne. Die Bibliotheca Proustiana Reiner Speck (Katalog zur Ausstellung im Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, 9. Juli–29. August 1999), Frankfurt a. M. 1999, S. 126–141.