Mu­sik­wis­sen­schaft

Zugehöriges Tutorium: Sarah Jöchle

Donnerstag, 13–14 Uhr s.t., Raum HG-08.28
Beginn: 2. April 2026

Dies ist eine Geschichte und Strukturanalyse des Musiktheaters aus der Perspektive seiner Institutionen und Akteure: Sängerin, Librettist und Komponist, Dirigentin, Orchester, Chor, Regisseur, Dramaturgin, Intendantin, Publikum etc.

Wie hat sich ihre soziale und mediale Rolle (und die der Opernbühnen) über die Jahrhun-derte hinweg entwickelt, erhalten und verändert? Wer bestimmt(e), was gespielt wird und wer kommt für das Defizit des Opernbetriebes auf? Wie entsteht ein Spielplan? Welche Faktoren beeinflussen die Zusammensetzung des Publikums oder den Kompositionspro-zess eines neuen Stücks? Eine Vorlesung für Liebhaberinnen und Liebhaber der Oper, für professionell mit dem Musiktheater Befasste und alle diejenigen, die eines von beiden werden wollen.

Die Vorlesung stellt grundlegende Ansätze der musikalischen Performanceforschung seit den 1990er Jahren vor. Im Zentrum steht die Frage, wie Musik nicht allein als notierter Text oder Werk, sondern als körperliches und soziales Ereignis verstanden werden kann, das sich in konkreten Aufführungssituationen realisiert. Anhand von Beispielen aus der Musikgeschichte des 19. und 20. Jahrhunderts soll erhellt werden, wie musikalische Bedeutungen in der Aufführung entstehen und wie künstlerische Akteur*innen, Körper, Raum, Technik und Publikum daran beteiligt sind. Ein besonderes Augenmerk gilt dabei auch der Beziehung zwischen Werk und Aufführung, indem Kompositionen auf ihre performativen Spuren hin befragt werden. Die Vorlesung führt in Grundlagen der Auffüh-rungsanalyse ein und macht mit methodischen Zugängen vertraut, die klassische werkana-lytische Verfahren erweitern und ergänzen.

Der Begriff der Performativität, wie er in kultur- und theaterwissenschaftlichen Theorien unter anderem von Erika Fischer-Lichte und Judith Butler entwickelt wurde, dient dabei als theoretischer Bezugsrahmen, um unterschiedliche Dimensionen musikalischer Aufführung zu reflektieren – von Präsenz und Ereignishaftigkeit bis hin zu Fragen von Gender und Identität. Die Vorlesung möchte dazu anregen, Musik aus der Perspektive ihrer Aufführung neu zu hören, zu analysieren und historisch zu denken, indem sie theoretische Perspekti-ven an der Schnittstelle zwischen Musik-, Theater- und Kulturwissenschaften entwickelt.

Robert Schumanns kompositorisches und publizistisches Schaffen ist durch eine enge Verbindung von musikalischer Praxis und ästhetischer Reflexion gekennzeichnet. Als Komponist wie auch als Kritiker und Herausgeber der Neuen Zeitschrift für Musik setzte er sich kontinuierlich mit Fragen musikalischer Form, Ausdrucksweisen und künstlerischer Autorschaft auseinander. Komponieren und kritisches Schreiben sind bei Schumann keine voneinander isolierten Tätigkeiten, sondern sich ergänzende Bestandteile eines poetisch-ästhetischen Projekts. Auffällig ist Schumanns Arbeitsweise, die sich durch fragmentari-sche Formen, Perspektivwechsel und eine ausgeprägte Nähe zu literarischen Schreibweisen auszeichnet. Diese Verfahren prägen sowohl seine Lieder und Klavierzyklen als auch seine musikästhetischen Texte. Musik erscheint dabei weniger als lineare Entwicklung denn als vielschichtiger Bedeutungsraum, in dem narrative, expressive und performative Aspekte ineinandergreifen. Das Seminar widmet sich ausgewählten Gattungen aus Schumanns Werk, insbesondere dem Lied, der Klaviermusik sowie seinen musikpublizistischen Schriften und stellt aktuelle Forschungsansätze zu Narrativität, Performance, Text-Musik-Relationen und zur Rolle des Schreibens in Schumanns musikalischem Denken vor. Ziel ist es, Schumanns Werk als reflexives Gefüge zwischen Komposition, Kritik und Interpretation zu analysieren.

Der seriellen Musik wird eine übermäßige Strenge nachgesagt, doch in jedem seriellen Werk bewegt sich der Komponist in einem Spannungsfeld zwischen Ordnung und Freiheit. Inwiefern sich die Entscheidungsfreiheit in der Komposition bei den jeweiligen Komponisten äußert und wie das mit ihren ästhetischen Ansichten zusammenhängt, soll im Seminar nachgespürt werden. Thematisch erstreckt sich das Seminar von den Vorläufern der seriellen Musik über die Hochphase in den 50er Jahren bis hin zur Kritik der seriellen Musik und der sog. ‚postseriellen‘ Musik der 1960er Jahre.

Das Seminar nähert sich der Thematik methodisch aus zwei Perspektiven: Einerseits durch die Lektüre und Reflexion zentraler Texte der 1950er Jahre, um die ästhetischen Konzepte und Denkweisen der Komponisten zu verstehen. Andererseits durch die Analyse ausgewählter Werke, um nachzuvollziehen, wie diese Konzepte kompositorisch umgesetzt wurden. 

Eine ganztägige Exkursion ist vorgesehen.

Nicht nur durch die Stilpluralität, sondern auch durch die zunehmende Profanisierung des gesellschaftlichen Lebens veränderte sich im 20. Jahrhundert das Repertoire für Orgel. Dennoch finden sich Werke, die weiterhin dem Choral verpflichtet sind (Pepping) oder christliche Themen in Musik fassen (Messiaen), aber auch gebundene oder freie Formen wie die Sonate (Hindemith), Chaconne (David) und Fantasie (Rihm). In neue Bereiche stießen unter anderem Ligeti und Kagel vor. Mit der Auswahl einzelner Werke wird im Seminar ein weit gefächertes Panorama durchschritten. Berücksichtigt werden außerdem biographische, religiöse und bautechnische Aspekte.

Einführende Literatur:

• Martin Schmeding, Das Orgelwerk von Wolfgang Rihm. Einflüsse und Impulse eines „Ermöglichungsinstruments“, München 2022. 
• Neuer Orgelbau – neue Orgelmusik, in: Musik und Kirche 85 (2015), S. 75–152. 
• Hans Wagner, Die Orgel zwischen kompositorischer Avantgarde und kirchlicher Funktion. Studien zu der Veranstaltungsreihe Neue Musik in der Kirche – Kassel, Mainz 2007 (Schriften zur Musikwissenschaft 15). 
• Daniela Philippi, Neue Orgelmusik. Werke und Kompositionstechniken von der Avantgarde bis zur pluralistischen Moderne, Kassel 2002.

Die Französische Revolution war nicht nur das wohl wichtigste Ereignis der französischen Geschichte, sondern hatte auch eine enorme Strahlkraft über Frankreich hinaus und markiert als „Geburt der bürgerlichen Gesellschaft“ (Hartig) den Beginn des „langen 19. Jahrhunderts“ (Hobsbawm). Die durch die Revolution propagierten Ideen von Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit, Nationalstaat und Patriotismus waren politisch grundlegend. In dem Seminar wollen wir den Auswirkungen der Revolution auf die Musik respektive dem Aufgriff der Revolution in der Musik nachgehen. Hierbei bieten sich folgende Themen besonders an: Hymnen und Lieder, Revolutions- und Trauerfeiern, die Oper, die Grün-dung des Konservatoriums. Unter anderem folgende Komponisten werden behandelt: Luigi Cherubini, François-Joseph Gossec, André-Ernest-Modeste Grétry, Étienne-Nicolas Méhul und Ludwig van Beethoven.

Einführende Literatur:

• Art. „Frankreich“, in: MGG Online 2022, https://www.mgg-online.com/mgg/stable/532319.
• Hans-Ulrich Thamer: Die Französische Revolution, München 2004 (oder später).

Weitere Literatur wird in der ersten Sitzung bekannt gegeben.

In diesem Spezialseminar erhalten Sie einen einführenden Überblick in die Paläographie und Notationskunde historischer europäischer Musikquellen – mit besonderem Blick auf kirchenmusikalische Werke und deren Überlieferungs-Praxis bis zur Generalbasspraxis des 18. Jahrhunderts. Ausgehend von originalen (digitalisierten) Notenhandschriften lernen Sie, historische Notationssysteme korrekt zu lesen, zu analysieren und mit modernen Editionen zu vergleichen, um Übertragungsentscheidungen kritisch reflektieren zu können. 

Ein Proseminar ist in Vorbereitung, das Thema und die Termine standen zu Redaktions-schluss noch nicht fest. Bitte beachten Sie die Einträge im digitalen Vorlesungsverzeichnis, ggf. der Zweitversion des KVV und die entsprechenden Aushänge.

Das Seminar stellt ausgewählte Musikkulturen aus dem Westen, Süden und Osten des afrikanischen Kontinents vor. Besondere Akzente fallen dabei auf die Theorie der afrikanischen Musik (indigene Terminologie vs. moderne analytische Begriffe) und ihre performativen Strukturen und Kontexte. Als Teil des Seminars ist ein Workshop geplant, der die theoretische Beschäftigung durch einen praktischen Einblick in das Spiel eines afrikanischen Musikinstruments ergänzt.

Mit der Etablierung des Tonbands seit den späten 1940er Jahren veränderte sich die musikalische Praxis grundlegend: Klang wurde nun als technisch gestaltbares Material verfügbar, das sich präzise montieren, manipulieren und analysieren ließ. Das Tonband entwickelte sich dadurch zu einem zentralen Instrument der musikalischen Avantgarde der Nachkriegszeit und beeinflusste zugleich die populäre Musik, die Radiokunst und den Film. Das Seminar widmet sich unterschiedlichen künstlerischen und kulturellen Kontexten tonbandbasierter Kompositionen, indem es musikwissenschaftliche Perspektiven mit Ansätzen der Sound Studies verbindet. 

Die behandelten Beispiele werden dabei nicht allein als Werke betrachtet, sondern als mediale Konstellationen, in denen klangliche Strukturen, technische Verfahren, Hörweisen sowie politische Praktiken ineinandergreifen. Aus ästhetischer Perspektive rücken neue Formen des Komponierens und Produzierens in den Fokus, in denen Montage, Mehrspur-technik sowie gezielte Eingriffe in Zeit- und Klangverläufe zu eigenständigen kreativen Verfahren werden. Darüber hinaus wird das Tonband als Erkenntnismedium verstanden, das neue Modi des Hörens und Analysierens von Klang hervorbringt. In kultureller Hinsicht wird es schließlich als Medium von Archivierung, Erinnerung und politischer Praxis untersucht, das kritische und subversive Handlungsräume eröffnet.

„In der Kürze liegt die Würze!“ – so sagt es ein altes Sprichwort. Tatsächlich handelt es sich bei musikalischen Bagatellen aber um weit mehr als nur eine in Töne gefasste unbedeutende Sache ohne größeren Anspruch. So wurde Beethovens op. 119 zunächst von einem Verlag als „zu klein“ abgelehnt, bevor die Sammlung sich später in zahlreichen Druckausgaben einiger Beliebtheit erfreute. Die Bezeichnung, die gleichsam als Gegenpol zur Sonate steht, fand später gelegentlich weitere Verwendung und brachte stilistisch wie technisch sehr verschiedene Aphorismen hervor, die im Musikleben vielfach ihr Dasein weit unterhalb der Oberfläche fristen. – Im Seminar werden einzelne Bagatellen wie auch ganze Sammlungen betrachtet (Beethoven, Dvořák, Sibelius, Bartók, Webern, Ligeti), ebenso Werke, die im weitesten Sinne ebenfalls als „Bagatellen“ aufgefasst werden können (Berg und Boulez).

Literatur (Auswahl):

• Ivana Rentsch, Bagatellen von – Beethoven? Beethovens op. 119 und op. 126 zwischen Unterhaltung, Didaktik und Experiment, in: Die Musikforschung 73 (2020), S. 2–16. 
• Kuei-Mei Wu, Die Bagatellen Ludwig van Beethovens, Köln 1999
• Simon Obert, Musikalische Kürze zu Beginn des 20. Jahrhunderts, Stuttgart 2008 (Beihefte zum Archiv für Musikwissenschaft 63). 

„Musikgeschichte im Kontext“ bietet Gelegenheit, vorhandene Kenntnisse (z.B. aus den Überblicksvorlesungen) auszubauen und kritisch zu reflektieren. Im Selbststudium bzw. in Gruppenarbeit werden frei gewählte Themen erarbeitet und im Kolloquium vorgestellt. Hinzu kommt der Versuch, sich einen gewissen Überblick zu erarbeiten – und zu fragen, was das überhaupt sein soll: ein „Überblick“ über ein so diverses und kontroverses Feld wie die Musik.

Komponisten, Gattungen und Epochen werden nicht als bloßes Faktenwissen erlernt, sondern in ihrem struktur- und institutionsgeschichtlichen Zusammenhang verstanden – in politischen, sozial- und mediengeschichtlichen Kontexten. Dazu fügen sich Fragen der Wertsetzung, der Kanonbildung, der Grenze zwischen „E“ und „U“ oder auch der Veror-tung „westlicher“ Musik im Rahmen einer „Global Music History“.