Mu­sik­wis­sen­schaft

Zugehöriges Tutorium: Sarah Jöchle

Donnerstag, 16 – 17 Uhr, Raum HG-08.28
Beginn: 15. Oktober 2026

Zugehöriges Tutorium: Flora Völlger

Montag, 15–16 Uhr, Raum HG-08.34
Beginn: 19. Oktober 2026

Die Vorlesung beginnt mit den ältesten erhaltenen Zeugnissen menschlicher Musikpraxis überhaupt und thematisiert in einem ersten Schwerpunkt die Musikpraxis und -theorie der klassischen Antike. Die griechische Musiktheorie ist in ihrer spätantiken Überlieferung wegweisend für die europäische Musikgeschichte gewesen (pythagoreisches Tonsystem, Ethoslehre, Sphärenharmonie u.a.). Auch der römische Choral bzw. seine Verbreitung und Kanonisierung gehört zu den elementaren Grundlagen der „abendländischen“ Musik. Aus diesem Zusammenhang lassen sich u.a. die Anfänge der Mehrstimmigkeit und des Kontrapunkts verstehen.

Die Notre-Dame-Schule um 1200 erweitert die Choralbearbeitung bis hin zur Drei- und Vierstimmigkeit und erreicht – im sakralen Raum der gotischen Kathedralkirchen – geradezu hypnotische Klangwirkungen. Im 14. Jahrhundert erfordern die rhythmischen Finessen der „Ars nova“ die Einführung und schrittweise Erweiterung der Mensuralnotation. Zum Mittelalter gehört aber auch die Musik der fahrenden Spielleute, der Troubadours und Trouvères.

Diese im musikwissenschaftlichen Überblickszyklus erste Vorlesung bietet Gelegenheit, sehr grundsätzliche Aspekte „unseres“ Musikbegriffs zu diskutieren: so die Frage nach Mündlichkeit und Schriftlichkeit bzw. „ars memoria“, nach musikalischer Autorschaft und Komposition, nach Grundlagen der Notation und Stimmung, nicht zuletzt nach der Musik im „Abendland“ – was bedeutet dieser eigenartige Begriff, welche Musikkulturen sind damit gemeint und welche nicht? Wo es sich anbietet, werden Brückenschläge in die spätere Geschichte unternommen.

Mostly Mozart! Doch was hat uns die nahezu ununterbrochen aufgeführte Musik des allseits bewunderten Komponisten nach zweieinhalb Jahrhunderten heute noch mitzuteilen? Anhand aktueller Befunde der Forschung bietet die Vorlesung einen Rundgang durch das instrumentale und vokale Schaffen, der den Mythos des „Wunderkinds“, Mozarts Tätigkeit als Musikunternehmer und sein soziales Engagement als Freimaurer in den Kontext der Auf- und Umbrüche des späten 18. Jahrhunderts stellt.

In diesem Seminar werden viele Tipps und Tricks zum Lernen und Üben sowohl allgemein als auch auf das Musizieren bezogen vorgestellt und praktisch ausprobiert. Themen, die dabei angesprochen werden, sind zum Beispiel Motivation, Vomblattspiel, Auswendiglernen und mentales Training. Die Hausarbeit besteht aus der Reflexion der angewendeten Tipps, die mit der passenden wissenschaftlichen Literatur verbunden werden.

Wo beginnt der Norden? Im fortschreitenden 19. Jahrhundert sicherlich am Leipziger Konservatorium, an dem zahlreiche, auch aus Skandinavien stammende Komponisten studierten. Doch ging es vielfach nicht nur um musikalisch attraktive Beiträge zu Gattung „Sinfonie“, sondern auch um Werke, die etwas mit nationaler Identifikation zu tun haben. – Das Seminar spannt einen Bogen von den 1840er Jahren über die Jahrhundertwende bis in die 1960er Jahre. Sowohl Grundzüge der jeweiligen Landes- und Musikgeschichte spielen eine Rolle, als auch das analytische Verstehen von ganz individuellen Stilen. In Auswahl werden einzelne Werke besprochen u.a. von Niels W. Gade, Carl Nielsen (Dänemark), Franz Berwald, Hugo Alfvén, Allan Pettersson (Schweden), Jón Leifs (Island), Edvard Grieg, Fartein Valen (Norwegen), Jean Sibelius und Leif Segerstam (Finnland).

Einführende Literatur:
Gregor Andersson, Musikgeschichte Nordeuropas. Dänemark, Finnland, Island, Norwegen, Schweden, Stuttgart 2001

Hanns Eisler (1898–1962) ist vor allem durch seine Zusammenarbeit mit Bertolt Brecht als Komponist von Arbeiterliedern wie dem „Einheitsfrontlied“ und dem „Solidaritätslied“ sowie als Komponist der DDR-Nationalhymne bekannt. Deshalb fand er in der westdeutschen Rezeption – außerhalb linker Bewegungen nach ’68 – kaum Beachtung und wurde allenfalls als DDR-Staatskomponist gesehen. Das Werk des Schönberg-Schülers umfasst aber weit mehr als politische Gebrauchsmusik, was in den letzen 20 Jahren zunehmend in den Blick der musikwissenschaftlichen Diskussion gerückt ist.
In dem Proseminar möchten wir uns ein möglichst vielfältiges Bild von Hanns Eisler und seinem Werk verschaffen.

Literatur wird in der ersten Sitzung bekannt gegeben.

Ab Mitte des 20. Jahrhunderts haben internationale Jugend- und Protestkulturen, die sich wesentlich über ihre Anti-Establishment-Musik definierten (Rock‘n‘Roll, Folk, Twist, Beat, Rock, Punk, Reggae, Grunge etc.), Geschichten der Hoffnung geschrieben, getragen vom Glauben an die rebellische Wirkmacht von Popmusik. Auch neuere soziale Bewegungen wie ‚Black Lives Matter‘ kommunizierten wesentlich über Musik. Man kann es allerdings auch skeptischer sehen: Hat Popmusik als Medium des Widerstands angesichts der umfassenden Vermarktung ihrer Rebellions-Posen nicht inzwischen ausgedient? Wir setzen uns intensiv mit dieser Frage auseinander und rekonstruieren dazu zentrale Momente der Popgeschichte seit 1950.

In den gängigen Darstellungen wird Ludwig van Beethoven heute unter „Wiener Klassik“ geführt, und eine solche Zuordnung hat (mit Blick auf die Trias Haydn – Mozart – Beethoven) durchaus ihren guten Sinn. Zu Lebzeiten und danach ist Beethoven aber auch als „Romantiker“ gesehen worden, so von E.T.A. Hoffmann und implizit bei Bettine Brentano. Nicht nur haben sich Komponisten wie Schumann, Liszt und Wagner auf ihn bezogen; auch Beethovens eigenes Werk lässt sich in bestimmten Zügen als romantisch begreifen – so sein „politisches“ Werk, d.h. die wechselvolle Bezugnahme auf die französische Revolution, die eher „sentimentalischen“ Werke, verbunden mit einer Auf- und Umwertung des espressivo (vielleicht auch der Idee, die Tonkunst sei eine Art tönende Biographie), der „extensive“ Zeittypus der Werke um 1815 und die Entgrenzung der musikalischen Form im Spätwerk.

Im Seminar thematisieren wir die komplementären Konzepte von „Klassik“ und „Romantik“, lesen Schlüsseltexte der Rezeption des 19. und 20. Jahrhunderts und interpretieren bzw. analysieren einzelne Werke. Vorausgesetzt werden elementare Kenntnisse von Biographie und Werk sowie die Bereitschaft zur Auseinandersetzungen mit „schwierigen“ Texten und Notentexten, auch über das eigene Referat hinaus. Die Zahl der aktiven Teilnehmer ist auf 18 begrenzt.

Das Seminar begleitet eine wissenschaftliche Kooperation der HMDK Stuttgart mit der Universität Bonn und dem Bonner Beethovenhaus anlässlich des 200. Todestages 2027. In diesem Rahmen findet Ende November 2026 in Stuttgart ein öffentlicher Workshop zum Thema statt (mit Kolleginnen aus dem Haus sowie auswärtigen Gästen), der Teil unseres Seminarplans ist.

Die idealistische Auffassung, der zufolge böse Menschen keine Lieder hätten, wird spätestens dort zum empirischen Bumerang, wenn diese auf Musik als Mittel zur Einschüchterung, Folter oder Manipulation zurückgreifen.

Im Seminar sollen ausgewählte und in anerkannter Sekundärliteratur dokumentierte Beispiele aus Diktaturen und Kriegen des 20. und frühen 21. Jahrhunderts mit der Beschallung von Gefängnissen, Kliniken oder Einkaufspassagen in historischer und systematischer Perspektive verglichen werden. Die Teilnahme erfordert die Fähigkeit zum sensiblen und quellenkritischen Umgang mit verbalen und (audio)visuellen Darstellungen akustischer Gewalt.

Warum stehen Trauermärsche gerne einmal in es-Moll? Warum leuchtet das Licht in C-Dur? Dass Tonarten (vor allem im bis ins 19. Jahrhundert) eine bedeutende Rolle beim Finden des „richtigen“ Charakters und Ausdrucks hatten, ist allgemein bekannt. Wie aber wurde die Kategorie des „Erhabenen“ in der Musik umgesetzt, dass sie erschütterte und noch heute erschüttert? Heute: Das bedeutet oft genug die Überführung von Musik aus dem Konzertsaal auf die Leinwand – wo ihr musikalischer Gehalt aus der Vergangenheit auf die Gegenwart trifft, sei es im Publikum oder in der Story selbst. – Der Bogen des Seminars spannt sich entsprechend von Haydns „Schöpfung“ über Beethovens 5. Sinfonie (in der Sicht von E.T.A. Hoffmann), über Mozarts Requiem (und seine Inszenierung in „Amadeus“), die filmischen Konnotationen von Barbers „Adagio“ bis hin zu Bach und „Schlafes Bruder“, Mahler und Mann (und „Tár“).

„Musikgeschichte im Kontext“ bietet Gelegenheit, vorhandene Kenntnisse (z.B. aus den Überblicksvorlesungen) auszubauen und kritisch zu reflektieren. Im Selbststudium bzw. in Gruppenarbeit werden frei gewählte Themen erarbeitet und im Kolloquium vorgestellt. Hinzu kommt der Versuch, sich einen gewissen Überblick zu erarbeiten – und zu fragen, was das überhaupt sein soll: ein „Überblick“ über ein so diverses und kontroverses Feld wie die Musik.

Komponisten, Gattungen und Epochen werden nicht als bloßes Faktenwissen erlernt, sondern in ihrem struktur- und institutionsgeschichtlichen Zusammenhang verstanden – in politischen, sozial- und mediengeschichtlichen Kontexten. Dazu fügen sich Fragen der Wertsetzung, der Kanonbildung, der Grenze zwischen „E“ und „U“ oder auch der Veror-tung „westlicher“ Musik im Rahmen einer „Global Music History“.