Mu­sik­wis­sen­schaft

Zugehöriges Tutorium: Sarah Jöchle
Voraussichtlich Mittwoch 13–14 Uhr s.t., Raum HG-08.28
Beginn: 15.10.2025

Zugehöriges Tutorium: Iolanthe Köcher
Voraussichtlich Donnerstag 13– 4 Uhr s.t., Raum HG-08.28
Beginn: 16.10.2025

Avantgarde und (Neo-)Klassizismus, Systematik und Zufall, Elite und Pop – auch in musikalischer Hinsicht ist das 20. Jahrhundert eine „Jahrhundert der Extreme“ (Eric Hobsbawm) gewesen.

Die Vorlesung nimmt wesentliche Stationen und Konstellationen in den Blick und entwickelt eine Idee von Moderne bzw. neuer Musik, die weniger von Expertenkultur und kompositorischer Komplexität als von unterschiedlichen Formen des Traditionsbruchs, zuweilen auch vom Versuch radikaler Vereinfachung bzw. der Wiedergewinnung „elementarer“ Ausdrucksformen her gedacht ist. Der Zugang über bestimmte Komponisten und Werke soll mit politischen, sozialen, institutions- und mediengeschichtlichen Aspekten vermittelt werden. Neben der neuen Musik wird auch deren erbitterte Ablehnung, die Herausbildung bzw. Verfestigung verschiedener (Teil-)Kulturen der Musik thematisiert – Grenzziehungen, die seit einigen Jahren, im frühen 21. Jahrhundert, wieder in fröhliche Unordnung geraten. Thematisiert wird auch die neuere Popmusik und in größerem Umfang die Musikgeschichte nach 2000.

Für diese Veranstaltung ist keine Anmeldung in Moodle oder per E-Mail erforderlich. Das Kontingent möglicher Prüfungen zu Semesterende ist auf 50 Personen begrenzt; eine Anmeldeliste liegt in der ersten und zweiten Sitzung aus.

„Pause brauch ich, um zu leben!“, titelte Clemens Haustein vor zwei Jahren in der FAZ (18.10.2023) und seufzte sich aus, nach sechzig Jahren eines „ständig anschwellenden Mahler-Popularitäts-Crescendos“, über die überbordende (bei Haustein: „epidemische“) Anzahl an Aufführungen der Sinfonien von Gustav Mahler. Auch Vorträge, Tagungen und Lehrveranstaltungen zu Mahler sind Legion. Das ist ganz sicher begründet: Mahlers Sinfonien bilden einen Kosmos eigener und kaum je vollständig hörend oder wissenschaftlich zu erschließender Art. Hausteins Fazit, „Mahlers Musik müsste Musikern wie Hörern mittlerweile zu beiden Ohren herauskommen“, braucht man nicht teilen. Mahlers Credo „Die Sinfonie muss wie die Welt sein. Sie muss alles umfassen“ (1907) schließt die Idee der Gattung seit Beethoven auf allen ästhetischen und emotionalen, philosophischen und weltanschaulichen Ebenen idealtypisch auf. „Die Vielstimmigkeit der modernen Welt“, so der Dirigent Iván Fischer, habe Mahler in seinen Sinfonien eingefangen. Aber haben das andere Komponisten der Zeit nicht auch getan? In der Zeit Gustav Mahlers (1885–1910) entfaltet sich die Sinfonie in ganz Europa (und darüber hinaus) zu einem kaum je gekannten Formen-, Besetzungs-, Ausdrucks- und Assoziationsreichtum. Mahler ist das Paradigma – aber eben auch nur ein Paradigma. Es gibt viel zu entdecken.

Kontakt: t.schipperges@uni-tuebingen.de

In der Geschichte wurden Frauen – und manchmal auch Männer - mit besonderer Ausstrahlung, überragendem künstlerischem Talent und exzentrischem Verhalten als Diven bezeichnet (und kritisiert). Entsprechen Pop-Diven der 2020er von Beyoncé bis Nicki Minaj, Taylor Swift bis Arlo Parks, Arca bis Janelle Monae noch diesem Bild?

Eine der interessantesten Figuren ist in diesem Zusammenhang die non-binäre Diva, die sich traditionellen Identitäts-Kategorien entzieht. Wie äussert sich das, wie klingt Gender-Fluidität? Um uns diesen Fragen zu nähern, analysieren wir ausgewählte Pop-Diven des 21. Jahrhunderts, ihre Musik, ihre Images und die Diskurse um sie herum.

Das 18. Jahrhundert gilt gemeinhin als ein von der Ausbildung einer (bürgerlichen) Presse, Öffentlichkeit, Kritik und Debattenkultur geprägtes Zeitalter gesellschaftlicher Umbrüche, von der auch Komponisten und Musiker erfasst werden. Das Seminar unternimmt eine Rundreise in die europäischen Metropolen Paris und London, aber auch nach Hamburg, Leipzig, Wien oder Berlin, wo Musik sich im Laufe des 18. Jahrhunderts zur Ware wandelt und zugleich zum Gegenstand gelehrten, galanten, kritischen und polemischen Raisonnements avanciert

In der Klaviermusik gibt es zwei Zyklen, an denen niemand vorbeikommt – einer stammt aus dem 18., der andere aus dem 19. Jahrhundert. Entsprechend bezeichnete der Dirigent und Pianist Hans von Bülow Johann Sebastian Bachs 1722 erstmals im Druck erschienenes Wohltemperiertes Klavier (Teil 1) als das „Alte Testament“ und Beethovens 32 Klaviersonaten gar als „Neues Testament der Klavierspieler“. Welch umfassende Bedeutung gerade diesen Sonaten schon unter den Zeitgenossen zugebilligt wurde, zeigt die Einschätzung von Carl Czerny. Er war überzeugt, dass die Sonaten „allein hinreichen würden, Beethovens Namen unsterblich zu machen.“

Und dennoch: Derartige Werke fallen nicht einfach vom Himmel. Sie entstanden unter spezifischen Voraussetzungen in einem besonderen Umfeld und Kontext – von biografischen Konstellationen über die Entwicklung einer Gattung und der Instrumente bis hin zur Individualität undOriginalität jeder einzelnen Komposition. Der benotete Leistungsnachweis erfolgt durch ein Referat und die dazugehörige schriftliche Ausarbeitung in Form einer Hausarbeit. Wir werden die auch in Form einer zweibändigen „Taschen-Ausgabe“ erhältliche Edition der Klaviersonaten aus dem Henle-Verlag benutzen (HN 9032 und 9034).

Einführende Literatur:
Beethovens Klavierwerke, hrsg. von Hartmut Hein und Wolfram Steinbeck, Laaber 2012
Walter Werbeck, Die Klaviersonaten, in Beethoven Handbuch,, hrsg. von Sven Hiemke, Kassel 2009, S. 320 - 403
Siegfried Mauser, Beethovens Klaviersonaten. Ein musikalischer Werkführer, München 2009

Zwischen Avantgarde und Kommerz, Wut und Spaß, Kunst und Dilettantismus, Dosenbier und Straight X, Emanzipation und Regression: Punk ist widersprüchlich, widerspricht und ruft Widerspruch hervor. Und das – trotz „No future“ – schon seit 50 Jahren.

In dem Proseminar werden zunächst die Anfänge und der erste Höhepunkt der Punk-Musik und -Subkultur in den 70er Jahren in den USA und dem Vereinigten Königreich behandelt, um dann insbesondere auf Punk in (West-)Deutschland in den 70er bis 90er Jahren einzugehen. Dabei soll versucht werden, Punk als musikalisches, ästhetisches und politisches Phänomen kritisch zu würdigen.

Einführende Literatur:
Karl Siebengartner: Punk(s) in der Bundesrepublik Deutschland. Anatomie einer Bewegung, 1976–1995, Bielefeld 2025.
Dirk Budde: Dirk Budde: Take three chords … Punkrock und die Entwicklung zum American Hardcore, Karben 1997.
Martin Büsser: If the kids are united. Von Punk zu Hardcore und zurück, Mainz 1995 (oder später).

Weitere Literatur wird in der ersten Sitzung bekannt gegeben.

"Voice's source is not the singer; it is the listener." Entsprechend dieser Feststellung Nina Eidsheims beschäftigen wir uns im Seminar mit Vorbedingungen und Praktiken des Hörens. Welchen Einfluss haben Hörbiografien auf die Einordnung neuer Eindrücke? Welche kulturellen Differenzen zeigen sich in der Antizipation von Stimmklängen – etwa einer alten, einer femininen, einer dominanten Stimme? Ausgehend von genderwissenschaftlicher Stimmforschung betrachten wir den Wandel von Klangparadigmen auf der Opernbühne bis zu geschlechtlich kodierten KI-Stimmen. In wiederkehrenden Praxisblöcken nähern wir uns über gemeinsame Höranalysen dem eigenen Erzählen von Geschlechterhören an.

Wissenschaftsgeschichte ist das methodische Gewissen aktueller Forschung. Seit sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts die Musikologie als eine akademische Disziplin zu etablieren beginnt, haben sich Methoden und Gegenstände des Faches stetig verändert, verengt und erweitert. Was haben uns die Arbeiten eintstmals berühmter Forscherinnen und Forscher heute noch zu sagen? Wie hat sich das Verhältnis zwischen historischen, ethnologischen und systematischen Ansätzen entwickelt?

Wie kommt/kam es dazu, dass – grob gesprochen – bis zu den 1960er Jahren die Musik des Mittelalters und der Renaissance und seither die neue und neueste Musikgeschichte das Zentrum der Musikhistoriographie bildet? Wie hat die turbulente politische Geschichte des 20. Jahrhunderts die Musikwissenschaft beinflusst? Diese und andere Fragen stehen im Zentrum gemeinsamer Lektüre, Recherche und Spurensuche

Bei der Auseinandersetzung mit der Biographie, der Ästhetik und dem Schaffen von Komponisten wird gerne zu einer Briefausgabe gegriffen. Sie vermittelt auch nach Jahrzehnten und Jahrhunderten scheinbar Authentizität und birgt Informationen gleichsam aus ersten Hand. Doch nur selten fällt bei der Benutzung auf, dass kaum eine Ausgabe der anderen gleicht: Sie unterscheiden sich mitunter fundamental in den Editionsprinzipien und in der Anlage, über die Form der Kommentierung bis hin zum Layout (und vielfach auch in der Repräsentation als gedruckte oder digitale Ausgabe). – In diesem Hauptseminar begeben wird uns daher auf vielfältige Spurensuche:
vom eigenen Lese- und Überragungsversuchen alter Handschriften in Kurrentschrift und das Nachdenken über theoretische Konzepte, über den kritischen Vergleich unterschiedlicher Briefausgaben bis hin zur eigenen Kommentierung ausgewählter Briefdokumente. – Der benotete Leistungsnachweis erfolgt durch ein Referat mit Hausabeit sowie einem kleinen Portfolio, bestehend aus kleinen Aufgaben, die größtenteils zur direkten Vorbereitung (oder Nachbereitung) der Seminarsitzungen zu erbringen sind.

Literatur (Auswahl):

• Rüdiger Nutt-Kofoth, Briefe herausgeben. Digitale Plattformen für Editionswissenschaftler und die Grundfragen der Briefedition, in: «Ei, dem alten Herrn zoll' ich Achtung gern’». Festschrift für Joachim Veit zum 60. Geburtstag, hrsg. von Kristina Richts, München 2016, S. 575–586.
• Werner Breig, Zur Editionsgeschichte der Briefe Richard Wagners, in: Musikeditionen im Wandel der Geschichte, hrsg. von Reinmar Emans und Ulrich Krämer, Berlin 2015, S. 536–547 (= Bausteine zur Geschichte der Edition 5).
• Brief-Edition im digitalen Zeitalter, hrsg. von Anne Bohnenkamp und Elke Richter, Berlin 2013 (= Beihefte zu editio 34).
• Bodo Plachta, Edition und Bibliothek, in: Digitale Edition und Forschungsbibliothek, hrsg. von Christiane Fritze, Franz Fischer, Patrick Sahle und Malte Rehbein, Wiesbaden 2011 (= Bibliothek und Wissenschaft 44), S. 23–36.
• Der Brief – Ereignis & Objekt. Frankfurter Tagung, hrsg. von Waltraud Wiethölter und Anne Bohnenkamp, Frankfurt am Main 2010.
• Digitale Edition zwischen Experiment und Standardisierung. Musik – Text – Codierung, hrsg. von Peter Stadler und Joachim Veit, Tübingen 2009 (= Beihefte zu editio 31).
• Der Brief – Ereignis & Objekt. Katalog der Ausstellung im Freien Deutschen Hochstift – Frankfurter Goethe-Museum 2008, hrsg. von Anne Bohnenkamp und Waltraud Wiethölter, Frankfurt am Main 2008.
• Klaas-Hinrich Ehlers, Raumverhalten auf dem Papier. Der Untergang eines komplexen Zeichensystems dargestellt an Briefstellern des 19. und 20. Jahrhunderts, in: Zeitschrift für germanistische Linguistik 32 (2004), S. 1–31.
• Komponistenbriefe des 19. Jahrhunderts. Bericht des Kolloquiums Mainz 1994, hrsg. von Hanspeter Bennwitz, Gabriele Buschmeier und Albrecht Riethmüller, Stuttgart 1997.
• Klaus Hurlebusch, Divergenzen des Schreibens vom Lesen. Besonderheiten der Tagebuch- und Briefedition, in: editio 9 (1995), S. 18–36.

„Musikgeschichte im Kontext“ bietet Gelegenheit, vorhandene Kenntnisse (z.B. aus den Überblicksvorlesungen) auszubauen und kritisch zu reflektieren. Im Selbststudium bzw. in Gruppenarbeit werden frei gewählte Themen erarbeitet und im Kolloquium vorgestellt. Hinzu kommt der Versuch, sich einen gewissen Überblick zu erarbeiten – und zu fragen, was das überhaupt sein soll: ein „Überblick“ über ein so diverses und kontroverses Feld wie die Musik.

Komponisten, Gattungen und Epochen werden nicht als bloßes Faktenwissen erlernt, sondern in ihrem struktur- und institutionsgeschichtlichen Zusammenhang verstanden – in politischen, sozial- und mediengeschichtlichen Kontexten. Dazu fügen sich Fragen der Wertsetzung, der Kanonbildung, der Grenze zwischen „E“ und „U“ oder auch der Verortung „westlicher“ Musik im Rahmen einer „Global Music History“.